Balletti/Trentin’s arrangement site specific to DI CARTA / PAPERMADE Biennale Internazionale di Opere di Carta

What does it mean to be at home and to be able to say: “This is my place”? What do we mean by: “I feel at home here” or “I’d like to feel at home somewhere” or “With you I feel at home”? This is the theme that Di carta / Papermade, international biennale of works in paper 2017-18.

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curated by Valeria Bertesina

Artists:
Manuela Bronze, Antonio Canau, Acacio de Carvalho, Celeste Cerquiera, José Antonio Coȇlho Lopes, Ana Galvȃo, Joȃ Inàcio Barroca, Margarida Lourenço, Helena Mancelos, Jörge Noronha, Silvestre Pestana, Sérgio Portugal, Tereza Ribeiro De Castro, Francisco Santos Agostinho, Ulla Aatinen, Ade Adesina, Simon Adjiashvili, Alessandra Angelini, Todorče Atanasov, Alberto Balletti, Hélène Bautista, Daniela Camuncoli, Alicia Candiani, Maurizio Corradin, Regina Costa, Graziella Da Gioz, Marta Dal Sasso, Silvia De Bastiani, Simone Del Pizzol, Giuseppe Denti, Oleg Denysenko, Stojan Đjurić, Fernando Evangelio Rodíguez, Carol Strause FitzSimonds, Črtomir Frelih, Alexander Frohberg, Delio Gennai, Hanien Ghashghaei, Sy Hakim, Orit Hofshi, Naoji Ishiyama, Eugenia Jaeger, Slavica Janeslieva, Kamruzzaman, Muhammad Atif Khan, Selvihan Kliç Ateş, Oliver Laas, Marco Laganà, Nubia Landell Valdivia, Marta Lech, Silvia Lepore, Marijia Marcelionyte Paliuke, Pejman Motaghian, Karen Oremus, Toni Pecoraro, Fernando Javier Polito, Gianluca Rossito, Giovanna Ruggeri, Alice Russo, Abdelsalam Salem, Yuichiro Sato, Petras Saulénas, Antonello Silverini, Evan Summer, Arianna Tagliabue, Marco Trentin, Alexey Veselovskiy, Susanne Wawra, Lars Göran Yeudakimchikov- Malmquist.

The exhibition begins on the walls external, out from the gate of the Palazzo Fogazzaro. In two big fames of the public poster two works of the artists Alberto Balletti and Maro Trentin arranged a patchwork of copy-paper size A3.

Here the photostory by Alberto Balletti and Marco Trentin

inside

img_5910Alberto Balletti – Over Confidence 2017 – etching and ink-jet cm.70×100

img_5909Marco Trentin – Root of cluster 2017 – woodcut ink-jet – 70×100

outside

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5th International Latgale Graphic Symposium October 17-28, 2016, Daugavpils

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Daugavpils Mark Rothko Art Centre and the Art Teachers’ Union invite artists to participate in the 5th International Latgale Graphic Symposium organized in the framework of Rothko Centre’s Residence Program.

The Graphic Symposium is meeting, discussion and creative work within the cultural space of Latgale, which unites similarly and differently thinking and working graphic artists from Latvia and abroad.

Aim of the symposium: To create unique contemporary graphic artworks, developing an international communication platform in the field of graphic art.

Place and time of the symposium: Daugavpils, Latvia, October 17-28, 2016

Participants of the symposium: 11 professional artists will take part in the symposium. The selection of participants will be competition-based, taking into consideration the submitted materials (application form, CV, and visual information which satisfies the below mentioned requirements).

Selection committee of the symposium participants:

Māris Čačka – artist, symposium curator, Daugavpils Mark Rothko Art Centre

Valentīns Petjko – artist, art theorist, Daugavpils Mark Rothko Art Centre

Ieva Nagliņa – artist, president of CHAMBER OF GRAPHIC ART

Nele Zirnīte – artist, president of Etching Guild

Alberto Balletti – artist, professor (Italy)

Vaidotas Janulis – artist, professor (Lithuania)

Milos Djordjevic – artist (Serbia)

Organizers provide:

Covering of the residence expenses in Daugavpils (catering, accommodation);

Studios (several artists may work in one studio);

Basic materials and tools for work;

Publicity opportunities (possibilities to present artists’ creative works; information in mass media; a symposium catalogue);

Recreation, tours around the city and surroundings, visits of art and culture institutions of Daugavpils);

Final symposium exhibition (opening on October 28, 2016).

Artists provide:

Covering of the travel expenses to Daugavpils and back;

Specific materials and tools for work;

Donation of at least two artwork created during the symposium to Daugavpils Mark Rothko Art Centre.

Application procedure:

Applications have to be submitted electronically to e-mail graphicsymposium@gmail.com till March 7, 2016

Application includes:

APPLICATION FORM (Download);
CV;

Presentation materials on artistic activity: portfolio (at least 7 images of artworks created during previous 3 years). Other informative materials in electronic format can be attached (catalogues, postcards etc.)

Assessment procedure:

The symposium organizers will consider applications and send invitations to the 5th International Latgale Graphic Symposium till March 15, 2016.

Applications submitted after March 7, 2016 will not be assessed.

Confirmation of participation:

The invited participants confirm their participation within 5 days after receiving the invitation, but no later than March 20, 2016

Contact person: Māris Čačka maris.cacka@gmail.com

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The Mildura BMW Australian Print Triennial 2015

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Some photo and info from: http://www.aptmildura.com.au and FB Australian-Print-Triennial

The Mildura BMW Australian Print Triennial is a major international art celebration of art printmaking and its significance in Australia’s Art’s culture.

To the ADFA building other 2 exhibitions here now: the ‘United Nations Human Rights Folio’ and the ‘International Humanist Art’ exhibition.

one my works was selected and now will be exhibited in the Triennial

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etching on iron – four plates mm. 500X700 – diptych papers cm. 102X70

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Julie, Sasha and patron Robyn Archer,with the two winners, Raymond Arnold and Graeme Peebles, and down two work winning

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BLACK FORMS incisioni recenti di VLADIMIRO ELVIERI e MARIA CHIARA TONI

Cremonabooks locandina Elvieri-Toni

BLACK FORMS incisioni recenti di VLADIMIRO ELVIERI e MARIA CHIARA TONI

12 – 26 giugno 2015 Inaugurazione venerdì 12 ore 18,00

Cremonabooks è lieta di ospitare l’esposizione che comprende incisioni recenti di grande formato realizzate dagli artisti cremonesi, apprezzati in ambito internazionale, Vladimiro Elvieri e Maria Chiara Toni

Le opere presentate, fanno parte di una serie di lavori nei quali le forme nere (Black Forms) e i rilievi, sono ottenuti attraverso l’intaglio e la perforazione di matrici in forex e il successivo utilizzo, per la stampa al torchio calcografico, delle carte nere. I percorsi paralleli dei due artisti (compagni nell’arte e nella vita) non si sovrappongono, ma si integrano a vicenda, giungendo ciascuno a differenti soluzioni tecniche e spaziali, in grado di evidenziare quegli aspetti critici e quei sentimenti poetici che l’incisione, forse più di altri linguaggi, riesce ad esprimere. Solo attraverso la sperimentazione legata al pensiero l’arte può giungere a esprimersi ai più elevati livelli di creatività e di libertà, affermano Elvieri e Toni

La Mostra si aprirà il 12 giugno con una presentazione da parte della prof. Donatella Migliore, nella galleria d’arte Cremonabooks in Largo Boccaccino 14, Cremona

Gli orari della galleria sono dalle 09:30 alle 12:30 e dalle 15:30 alle 19:30 dal Martedì al Sabato

VIII L’ARTE e il TORCHIO / ART and the PRINTING PRESS: list of the invited artists

Copertina-Larte-e-il-torchio-2015-H-694x1024VIII L’ARTE E IL TORCHIO / ART AND THE PRINTING PRESS

a cura di Vladimiro Elvieri
CREMONA 27 settembre – 1 novembre 2015
Centro culturale Santa Maria della Pietà

L’EUROPA NEL SEGNO / Engraving in Europe

70 artisti 140 opere 28 paesi della Unione europea

AUSTRIA Wolfgang Buchta – Georg Lebzelter

BELGIO Thomas Amerlynck – Hugo U. Besard

BULGARIA Christo Kardjilov – Vasil Kolev (Vassillo) – Dimo Kolibarov

CIPRO Tsangaris Hambis

CROAZIA Zlatko Keser

DANIMARCA Ken Danning

ESTONIA Reti Saks – Marje Uksine

FINLANDIA Palvi Hanni – Juha Tammenpaa

FRANCIA Assadour – Shulin Chen – Egide (Pierre Martin) – Bernard Olier – Hector Saunier

GERMANIA Jochen Koehn – Nicolaj Sarafov – Ulrich J. Wolff

GRECIA Aristea Kritsotaki

IRLANDA Morgan Doyle – Stephen Vaughan

ITALIA Alberto Balletti – Adalberto Borioli – Sandro Bracchitta – Enrico Della Torre – Vladimiro Elvieri – Cinzia Fiorese – Nadia Galbiati – Renzo Margonari – Elena Molena – Toni Pecoraro – Giangi Pezzotti – Mario Scarpati – Arianna Tagliabue – Maria Chiara Toni – Walter Valentini

LETTONIA Guntars Sietins – Nele Zirnite

LITUANIA Elvyra Katalina Kriauciunaite – Egle Vertelkaite – Birute Zokaityte

LUSSEMBURGO Marc Frising

MALTA Alfred ChircopLuciano Micallef

PAESI BASSI Caroline Koenders – Nicol Rodriguez

POLONIA Agata Gertchen – Joanna Piech – Krzysztof Tomalski

PORTOGALLO Maria Gabriel

REGNO UNITO Lennox Dunbar – Peter Ford

REPUBBLICA CECA Ivo Kren – Jiri Samek

ROMANIA Mircea Popescu

SLOVACCHIA Dusan Kallay – Igor Piacka – Kamila Stanclova

SLOVENIA Crtomir Frelih – Branko Suhy

SPAGNA David Arteagoitia – José Hernandez – Jabier Herrero

SVEZIA Mikael Kihlman – Fredrik Lindqvist

UNGHERIA Istvan Orosz

INCISIONE ITALIANA UNDER 36 / Italian Engraving Under 36 

20 artisti 40 opere

Lara Monica Costa – Simone Del Pizzol – Andrea De Simeis – Alberto Finelli – Silvia Gabardi – Pier Giacomo Galuppo – Cecilia Giampaoli – Fulvio Ioan – Stefano Luciano – Andrea Pacini – Irene Podgornik Badia – Marica Rizzato – Gianluca Rossitto – Fabrizio Sebastiani – Mattia Serra – Tommaso Squaiera – Riccardo Tonti Bandini – Antonino Triolo – Arianna Vairo – Giuseppe Vigolo

NUTRIRE IL CORPO, NUTRIRE LA MENTE

SONCINO Museo della Stampa
120 ex libris sul tema dell’EXPO di artisti italiani e internazionali)
 
EVENTI COLLEGATI

POETICA DEL SEGNO – Incisori latinoamericani contemporanei 

24 artisti 40 opere
Sala Alabardieri, Comune di Cremona, a cura di V. Elvieri – organizzata da ALAC – Associazione Latinoamericana Cremona, con il patrocinio del Comune di Cremona –  dal 23 settembre al 4 ottobre 2015

 

Comunicato stampa

L’ARTE E IL TORCHIO 2015

dal 27 settembre al 1 novembre 2015, presso il Centro Culturale di S. Maria della Pietà a Cremona, e dal 27 settembre al 18 ottobre 2015 al Museo della stampa a Soncino (CR), si terrà la VIII Rassegna internazionale di incisione L’Arte e il Torchio / Art and the Printing Press. La Biennale (esclusivamente ad invito), curata da Vladimiro Elvieri, coadiuvato da un Comitato scientifico internazionale, è organizzata con la collaborazione e il patrocinio del Comune di Cremona, della Pro Loco di Soncino e dell’AIE – Associazione italiana Ex libris, e con il patrocinio del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo e il contributo di sponsor privati. A Cremona saranno allestite le seguenti mostre: L’Europa nel segno, riservata ad alcuni dei maggiori artisti grafici in rappresentanza dei 28 paesi dell’Unione Europea, con circa 150 opere di medio e grande formato; e Incisione Italiana Under 36 che presenta 40 lavori di giovani e interessanti incisori provenienti da varie regioni italiane. A Soncino si inaugurerà la mostra Nutrire il corpo, nutrire la mente, che presenta una significativa raccolta di ex libris e piccola grafica di autori italiani e stranieri, ispirati al tema di EXPO 2015. Un laboratorio didattico sarà aperto, nella sede cremonese, per tutto il periodo espositivo, a disposizione dei visitatori e delle scolaresche, con lezioni teoriche e pratiche sull’incisione e la stampa d’arte. Un catalogo a colori (italiano-inglese), sarà edito per l’occasione. Ingresso libero

Il Comitato organizzatore L’Arte e il Torchio / Art and the Printing Press 2015

ART AND THE PRINTING PRESS 2015

With pleasure we inform that, from September 27 to November 1st 2015, near the Cultural Center of “S. Maria della Pietà” of Cremona, and from September 27 to October 18, 2015, at the Museum of the Press of Soncino (CR), will be held the 8th International Engraving Exhibition L’Arte e il Torchio / Art and the Printing Press. The Biennial (exclusively to invitation), curated by Vladimiro Elvieri, together with an International Scientific Committee, is organized with the contribution and patronage of the Municipality of Cremona, Pro Loco Soncino, (AIE) Italian Ex-libris Association, and with the patronage of the Ministry of Culture, and the contribution of private sponsor. In Cremona will present the following 2 shows: Engraving in Europe, reserved to some of the most important contemporary artists representatives of the 28 countries of the European Union, with around 150 prints of middle and great format; and Italian Engraving Under 36 with 40 works of interesting young engravers coming from various Italian regions. In Soncino, it will be open the show To Feed the Body, to Feed the Mind a harvest of ex libris and small graphic of Italian and foreigners artists, inspired to the theme of EXPO Milan 2015. A didactic laboratory, it will be active in Cremona, for the visitors and students for theoretical and practices lessons on the printmaking. A color general catalog (Italian-English) will be published for the occasion. Entry free.

The Organizing Committee “L’Arte e il Torchio / Art and the Printing Press” 2015

Info: L’Arte e il Torchio c/o Vladimiro Elvieri, c.so P. Vacchelli 51 (casella postale 19), 26100 Cremona, tel.++39-0372 30410 email info@artetorchio.it / info@elvieri-toni.com website www.artetorchio.it

Second International Student Biennial •Drawing• Sofia 2014

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Second International Student Biennial

17 September–10 October 2014
In September 2014 will be opened the Second international Student Biennial “Drawing” Sofia 2014 in the Academia Gallery of the National Academy of Art.
The second edition of this prestigious international event proves the sustainability of the idea of the organizers to provide a platform for the most versatile part of the preparation of future artists – the drawings.
The interest demonstrated by the students in the Academy, as well as the participants from foreign academies – will be realized in the Biennale exhibition, which will open on September 17, 2014
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17 септември–10 октомври 2014
откриване 17 септември от 18:00
На 17 септември (сряда)  2014 г. в 18:00 часа предстои откриването на Второто международно студентско биенале „Рисунка“, София 2014 в галерия „Академия“ на Националната художествена академия.
Второто издание на тази престижна международна проява доказва устойчивостта на идеята на организаторите да се даде поле за изява на най-универсалната част от подготовката на бъдещите художници – рисунката.
Заявеният интерес от студентите в НХА, както и на чуждестранни академии – участници ще получи своята реализация в експозицията на биеналето.
Всяка колекция носи характера и търсенията на своите автори, но и още нещо – посоките на развитие и възгледи за рисунката на различни европейски школи.
Участници:
Академия за изящни изкуства – Венеция, Италия;
„Мимар Синан“ университет за изящни изкуства, Турция;
Национален университет по изкуства – Букурещ, Румъния;
Университет на Баската автономна област – Билбао, Испания;
Академия Геперт за изкуство и дизайн – Вроцлав, Полша;
Университет по приложни науки „Юстинас Виеножинскис“ – Факултет по изкуства – Каунас, Литва
Националната художествена академия – София, България

Giacomo Modolo “Ricostruzioni” a cura di Elisabetta Chiono

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Giacomo Modolo

Ricostruzioni

a cura di Elisabetta Chiono

Dal 14 giugno al 6 luglio 2014
Catalogo in mostra
AREACREATIVA42 associazione culturale – Casa Toesca

COMUNICATO STAMPA

Dal 14 giugno al 6 luglio, Areacreativa42 ospita a Casa Toesca il giovane artista Giacomo Modolo per la mostra personale “Ricostruzioni” a cura di Elisabetta Chiono. La forte spinta introspettiva di Giacomo ed il suo crescente percorso professionale, hanno motivato Arecreativa42 nel realizzare questa mostra nell’ambito del progetto “Giovani curatori”. L’interesse per il suo lavoro era già stato rilevato in occasione del Premio Carlo Bonatto Minella 2013 con presidente di giuria Vittorio Sgarbi ed organizzato da Areacreativa42, quando, su più di 800 artisti, Giacomo è stato selezionato tra i finalisti under 30 con l’opera La tregua.

Caratterizzati da un’apparente falsificazione e destrutturazione della rappresentazione, i lavori di Giacomo Modolo raffigurano in realtà soggetti ed oggetti che hanno una loro vivida concretezza spaziale e figurativa. L’artista si esprime in una sintesi di forme e colori che danno vita a figure umane contestualizzate in ambienti senza riferimenti visibili, frutto dell’immaginazione e della introspezione dell’artista.

Ne deriva una materializzazione del pensiero che si manifesta prima con il disegno, attraverso quello che lui chiama il “segno”. Segue la pittura, che conferisce forma e volume, in un perfetto equilibrio interno capace di rendere il dinamismo della composizione. I soggetti si muovono all’interno dei quadri, in una consapevole rielaborazione e rappresentazione di racconti, esperienze e ricordi che sono stati narrati e successivamente reinterpretati nella contemporaneità.

Temi come la guerra o il fascismo sono l’oggetto delle tele, anche se momenti che l’artista non ha vissuto ma che vuole a tutti i costi rappresentare e vi riesce con incredibile lucidità, in una atmosfera di realismo e forte percezione della drammaticità delle esperienze raffigurate. Il ruolo dell’artista si trasforma in una figura ambivalente di interlocutore passivo, ma anche di romanziere attivo che con le immagini rende partecipe di ciò che a lui è stato riferito o mostrato.

I movimenti e le posture sono grevi, i corpi pesanti, i volti sfocati sono ipnotici, e vogliono essere guardati. Siamo inevitabilmente spettatori del loro vissuto. La mostra è un viaggio nel passato, nelle esperienze dei singoli, diventando un po’ per volta cognizione del presente ed un insegnamento per il futuro, così che la memoria storica continui a rivivere.

Il risultato del lavoro dell’artista è comunque di grande libertà, sostenuto da pensieri profondi

 

AREACREATIVA42 ASSOCIAZIONE CULTURALE
Rivarolo Canavese
info@areacreativa42.it
www.areacreativa42.com
 
Orari Sabato, domenica e festivi 16.00/20.00
altri giorni su appuntamento tel.3351227609

 

LES LILAS FLEURISSENT À BELLEVILLE

Treize graveurs de l’Atelier aux Lilas pour la Typographie et l’Estampe montrent leur travail au cœur de Belleville, dans l’exposition :

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LES LILAS FLEURISSENT À BELLEVILLE

estampe contemporaine à la galerie des AAB

du jeudi 5 au dimanche 15 juin 2014

vernissage le jeudi 5 juin à partir de 18h

exposition ouverte du jeudi au dimanche de 14h à 20h

Galerie des Ateliers d’Artistes de Belleville

1, rue Francis Picabia 75020 Paris

M° Couronnes tél 01 77 12 63 13

Catherine Volk . Raúl Velasco . Mireille Saltron . Dana Radulescu . Jean-Pierre Rengeval . Kausar Nigita . Véronique Murail . Kristin Meller . Marie-Claude Gardel . Carlos Lopez . Isabelle Gourcerol . Guillaume Confais . Baran Sosthène

Permanences de Raúl Velasco: jeudi 12 juin 14h-17h et dimanche 15 juin 17h-20h

Permanences de Kristin Meller: jeudi 5 juin 14h-17, jeudi 12 juin 17h-20h et dimanche 15 juin 14h-17h

www.ateliers-artistes-belleville.fr

www.atelierauxlilas.com

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Mostra personale di GIUSEPPE VIGOLO

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Mostra personale di GIUSEPPE VIGOLO

vincitore della quarta edizione del Premio Biennale di Incisione “Sandro e Marialuisa Angelini” Giuseppe Vigolo GAMeC Bergamo 15:05:2014Giuseppe Vigolo GAMeC Bergamo 2014

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I volti e le figure di Giuseppe Vigolo, giovane incisore veneto, vi stupiranno per la forza e l’immediatezza con cui riescono a mettersi in comunicazione con chi le osservi.
E’ la prima volta che la giuria del Premio Angelini adotta l’iniziativa di pre- sentare in alternanza all’assegnazione del premio una mostra monografica del vincitore dell’ultima edizione. Questa interessante idea lanciata del presidente della giuria, Attilio Steffanoni, che fa tesoro della sua solida esperienza e la ri- versa sul premio, è stata immediatamente condivisa dagli altri membri. Esplo- rare se il vincitore avesse materiale sufficiente a rappresentare un percorso e dunque approdare alla realizzazione di una mostra, sottopone a verifica sia il vincitore che i giurati. Per il primo significa mettersi alla prova, aiuta a capire se si tratti di un’attività estemporanea o di una vera propensione, carica di fu- turo. Per i giurati consiste nella riprova o meno di una scelta ponderata.

La mostra d’incisioni di Giuseppe Vigolo assolve egregiamente a queste due variabili indipendenti del Premio e della sua aggiudicazione.
Giuseppe, e ci permettiamo di chiamarlo familiarmente così, è un giovane professionista, con al suo attivo premi, borse di studio internazionali, un’at- tività di insegnamento, che se da un lato riconosce la qualità del suo lavoro, dall’altro lo tiene a contatto con i suoi coetanei con i quali scambiare idee e modi per renderle visibili. Giuseppe si esprime con la pittura, la scultura, il di- segno, il video, secondo l’ampio spettro che la cultura contemporanea mette a disposizione. Ma è il suo percorso nell’arte dell’incisione che la mostra mette nella condizione di osservare. Si tratta di un itinerario decisamente coerente, sia tecnicamente che iconograficamente, che esprime un’identità precisa dal punto di vista culturale. Le grandi e attraenti figure che ci offre si nutrono di una cultura d’immagine contemporanea. I punti di vista spesso ravvicinati po- tenziano l’efficacia della rappresentazione che colpisce per la sua dirompente apparenza. Non mancano momenti di concentrazione che prediligono il volto di uomini e donne per riflettere sui significati dell’esistenza, anche nei suoi risvolti drammatici.

Un ultimo pensiero: l’arte dell’incisione richiede una perizia tecnica che per taluni è avviata all’estinzione. Giuseppe Vigolo è tra coloro che credono che questo non debba avvenire.

Maria Cristina Rodeschini

 

Estación XV – esposizione finale degli artisti e ricercatori dell’Accademia di Spagna a Roma

Estación XV

Invitación Academia San Fernando

Esposizione finale degli Artisti e Ricercatori dell’Accademia di Spagna a Roma

inaugurazione Giovedì 03 Aprile 2014

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando – Madrid

La Mostra verrà aperta con la videoinstallazione “Dark Shades”

proiettata sulla facciata principale dell’Accademia
 
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Invitación Academia San Fernando
 

giovedì 3 aprile 2014 h 20.00

proiezione della videoinstallazione di Giuseppe Vigolo

Dark Shades

facciata dell’Accademia di San Fernando

calle Alcalà 13

Madrid

Language Forged Out of Place – Lower East Side Printshop NY


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Language Forged Out of Place

curated by Saya Woolfalk

Reception: Thursday, April 10, from 6-8pm On view March 19 through May 11, 2014

About the Exhibition

Lower East Side Printshop is pleased to present Language Forged Out of Place guest curated by artist Saya Woolfalk. The exhibition will be on view at the Printshop from March 19 – May 11, 2014 with a public reception on Thursday, April 10, from 6-8pm.

The work submitted was laid out on the table and I looked closely at each piece seeking points of connection. Questions: What are these people thinking about? Who did they come in contact with? What does it mean to make work in a printshop? I made my selections by answering these questions using what I saw on that table: a group of artists grappling with printmaking as a medium and context, while accidentally or intentionally creating a common jive.

Each artist has created a particular language that collectively can be seen as a metaphor for how we remember and communicate through the printed form. Felix Plaza collects and displays a colorful grid of pop and historical imagery. Daniel Vasquez and Theresa Bloise make prints that evoke pictographic languages that might be used to write a new history of the world. Gianluca Rossitto, allows us to see traces of the the image as it quickly fades into memory, while Golnar Adili’s image insists upon its existence through obsessive stitching onto the printed surface.

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About the Artists

GOLNAR ADILI (b. 1976, Falls Church, VA; lives and works in New York, NY) received her BFA from University of Virginia and MA from University of Michigan College of Architecture and Urban Planning. Select exhibitions include Craft and Folk Art Museum, Los Angeles, CA; Chashama, New York, NY; and International Print Center New York, NY. She is the recipient of grants from the Pollock-Krasner Foundation, La Napoul Art Foundation, The Rockefeller Foundation, and New York Foundation for the Arts.

THERESA BLOISE (b.1978, Boston, MA; lives and works in New York, NY) received her BFA from Rhode Island School of Design. Select exhibitions include Grin, Providence, RI; Governor’s Island, New York, NY; Smack Mellon, Brooklyn, NY; and Kentler International Drawing Space, Brooklyn, NY. She has been awarded fellowships from New York Foundation for the Arts, MacDowell Colony, and Artist in the Marketplace, Bronx Museum of the Arts.

FELIX PLAZA (b. 1946, Santurce, Puerto Rico; lives and works in New York, NY) received a Fine Art Certificate from New York Phoenix School of Design. Select solo and group exhibitions include Exit Art, New York, NY; 2B Gallery, Budapest, Hungary; Dieu Donne, New York, NY; Brooklyn Public Library, NY; and Donnell Library, NY. He is a former participant of Printline Exchange Residency, Belgrade, Yugoslavia and has work included in many private collections.

GIANLUCA ROSSITTO (b. 1986, Catania, Italy; lives and works in New York, NY) received his BA from Academy of Fine Arts Venice, and MFA from Academy of Fine Arts Venice and Machester School of Art. Select exhibitions include Fondazione Pini Corso, Milan, Italy; Graphic National Institute, Rome, Italy; and Oktogon der Hfbk, Dresden, Germany. His work is included in the collection of the Museum of Graphic Arts De Portesio, Brescia, Italy.

DANIEL VASQUEZ (b. 1983, El Salvador; lives and works in New York, NY) received his BA from Rowan University. Select exhibitions include Brooklyn Waterfront Artists Coalition, NJ and Studio 1950, New York, NY.

About the Curator Saya Woolfalk (Japan, 1979) is a New York based artist who uses science fiction and fantasy to re- imagine the world in multiple dimensions. She has exhibited at PS1/MoMA; Deitch Projects; Contemporary Art Museum, Houston; Contemporary Arts Center, Cincinnati; the Brooklyn Museum; Museum of Contemporary Art, Chicago; the Studio Museum in Harlem; the Frist Center for the Visual Arts; The Yerba Buena Center; The Newark Museum; Third Streaming; MCA San Diego; MoCA Taipei; and Performa 09; and has been written about in the

New Yorker, Sculpture Magazine, Artforum.com, ARTNews, The New York Times, Huffington Post and on Art21’s blog. Her first solo museum show The Empathics was on view at the Montclair Art Museum in the Fall of 2012. She is currently an artist in residence at Smack Mellon, working on solo shows for the Chrysler Museum of Art (fall 2014) and Smack Mellon (fall 2014). She will also stage a performance this summer at the Asian Art Museum, CA while she is an artist in residence at the Headlands Center for Contemporary Art.

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Lower East Side Printshop
306 West 37th Street, 6th Floor New York, NY 10018
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Giancarla Frare: TERRE opere 2004/2013




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Giancarla Frare: “TERRE” opere 2004/2013
a cura di Carlo Fabrizio Carli
13 febbraio – 8 marzo 2014

 

Ripetutamente presente in prestigiose rassegne e sedi istituzionali in Italia e all’estero (dall’Istituto Nazionale per la Grafica (2012) al Museo Civico di Bassano del Grappa (2011), all’Università di Innsbruck all’Istituto italiano di Cultura di Vienna, al Museum im Traklhaus di Salisburgo (2006); vincitrice di concorsi di grande notorietà, da Ca’ Pesaro (Premio Bevilacqua La Masa, 1981),  alla Biennale Nazionale di Incisione Contemporanea di Bassano (2008); presente su invito nelle grandi Rassegne di Arte Grafica (dalla Moderna Galerja di Lubiana, al Museo Nazionale di Haifa), Giancarla Frare era tuttavia assente da alcuni anni (dopo la mostra alla Galleria Giulia), con una personale, dall’ambito delle gallerie private romane.

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Questa mostra, curata da Carlo Fabrizio Carli presso la nuova sede della Galleria in Piazza Costaguti 12, nel quartiere ebraico di Roma, risarcisce tale omissione. Trentacinque le opere esposte e documentate in catalogo, eseguite nell’ultimo decennio, dal 2004 al 2013. Si tratta di carte, elaborate a china e a pigmenti naturali all’uovo, tecnica all’acqua, preferita dall’artista, in quanto particolarmente congeniale al suo procedimento operativo, che si concentra, via via, sui singoli lavori, iniziandoli e  conducendoli a termine, senza lasciarli interrotti. Un progetto espositivo che s’inserisce coerentemente nel percorso della Galleria che, dal 2007, si dedica alla grafica italiana e mitteleuropea moderna e contemporanea.

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Terre: così s’intitola la mostra, con evidente riferimento alla tecnica con cui le opere sono realizzate, ma anche ad un sapore tettonico e litico che esse prepotentemente trasmettono; quasi paesaggi lunari e mineralizzati, pur al di là di ogni suggestione e allusività figurale. La loro è tuttavia una tettonicità non intatta, ma incessantemente aggredita e lentamente consunta dal trascorrere del tempo, comunque segnata dalla traccia dell’uomo. Semmai essa è interprete di una sorta di stratificazione fossile, portatrice di un forte significato scultoreo.
Queste carte di Giancarla Frare denunciano una rotta bordeggiante tra il qui e l’altrove; interpretano la nostra condizione esistenziale caratterizzata dal paradosso straniante di essere (e percepirci) dentro e fuori da un determinato contesto, vicini e lontani dalla realtà. Non a caso, il testo di Carli s’intitola “Abitare la distanza”, poetico ossimoro mutuato dall’omonimo saggio di Pier Aldo Rovatti, filosofo molto caro a Frare. Chi conosce il lavoro recente dell’artista, vi troverà una coerente riconnessione con il suo precedente percorso e soprattutto con il ciclo dedicato alla poesia del grande e tormentato poeta austriaco Georg Trakl; un ciclo esposto in svariate rassegne, in Italia e all’estero, e alla fine acquisito nella sua interezza dalle raccolte dell’Istituto Nazionale per la Grafica.

 

 

Association pour l’estampe et l’art populaire: LE JOUR DES MORTS À PARIS…vernissage, etc.

 

Association pour l’estampe et l’art populaire

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L’association pour l’estampe et l’art populaire a le plaisir de vous inviter à l’exposition

LE JOUR DES MORTS… À PARIS!

Calaveras et offrande

Du 1 au 10 novembre 2013

Exposition ouverte tous les jours de 15h à 20h

VERNISSAGE jeudi 31 octobre à 18h

VISITE GUIDÉE DE L’EXPOSITION vendredi 1er novembre à 17h

SOIRÉE MUSICALE samedi 2 novembre à 18h30

Celle-ci sera la douzième année consécutive que l’association pour l’estampe et l’art populaire fête les morts à la manière mexicaine.
Comme chaque année, il y aura une offrande ainsi que des gravures satiriques. 
L’offrande cette année sera dédiée au dieu aztèque Mictlantecutli, suivant les traditions les moins christianisées du Mexique. 
Comme l’affluence à cette exposition est grande, en plus du vernissage le jeudi 31 octobre, nous proposons le vendredi 1er novembre une visite guidée avec explications sur ‘la calavera’ et, le samedi 2 novembre, une soirée musicale live. 
Association pour l’estampe et l’art populaire
49bis, rue des Cascades, 75020 Paris M° Jourdain 
01 47 97 05 35 estampe-artpopulaire.com

Emphatism by Vittoria Chierici and Veronica Santi

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giovedì 24 ottobre, ore 18.00 Spazio 522, 526 West 26th Street, Suite 522 New York

Emphatism

curated by Vittoria Chierici and Veronica Santi

Ivo Bonacorsi, Vittoria Chierici, Gino Gianuizzi, Emi Ligabue, Maurizio Vetrugno

 

October 24 – December 23

Opening Reception: October 24, 6-8 PM

Spazio 522 is proud to present EMPHATISM, the fourth and last exhibition of the cycle “Italian Wave” celebrating 2013 – Year of Italian Culture in United States. The exhibition provides a documentation on the art movement Emphatism with art works from the beginning of the ‘80s by Ivo Bonacorsi, Vittoria Chierici, Gino Gianuizzi, Emi Ligabue, Maurizio Vetrugno and photographies by Miro Zagnoli.

Vittoria Chierici about the exhibion: “Io sono come i miei artisti” [I am like my artists] – Francesca Alinovi, 1983.

The name Enfatismo (Emphatism) popped up in the summer of 1983 on Flash Art magazine with an article by Francesca Alinovi, some interviews with the artists and quite a few images. The article had a sad editorial note announcing that Francesca Alinovi had passed away before publication. The article became a sort of macabre necrology. The Emphatists grew up in Bologna, in the mileu of the new experimental school, DAMS (Disciplinesof Art Music and Theater), founded in the late seventies by Umberto Eco, Renato Barilli and Nanni Balestrini, along with other avant-guard, post-war Italian intellectuals. The Emphatists, kept together by Francesca Alinovi’s charismatic personality, seemed like the ultimate representation of Marinetti’s Futurism or Situationism. They were, in fact, a phenomenon based more on urban culture, with bohemian and beatnik antecedents, very close to the spirit ofNew Wave in New York. I was studying art and art history in New York when I first met Francesca Alinovi at the Holly Solomon Gallery, on the night she presented “Italian Wave”, a group of young Italian artists. In 1981, the New York art scene was at the beginning of a new, brilliant and dramatic era, tinged by the onset of the AIDS epidemic. Francesca was fascinated by the urban street culture and it’s unexpected, improvised boundaries between art and life. She was less interested in the standardized glamour of the art market. She work with Keith Haring, Ramellzee, Kennny Scharf, Stefan Eins, the poet David Rattray and the incredible cast of the Graffiti art wave.

Spazio 522, 526 West 26th Street, Suite 522 New York (NY) www.spazio522.com director@spazio522.com Tel +1 (347) 248 1411

Segno e insegno



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Segno e insegno

primo congresso nazionale dei docenti di grafica d’arte delle accademie di belle arti italiane

a cura di
Maria Antonella Fusco
Dirigente dell’Istituto Nazionale per la Grafica
Giovanna Cassese
Direttore dell’Accademia di Belle Arti di Napoli

 

Sezioni del congresso
La didattica della Grafica d’Arte
Tradizione e innovazione metodologica
Laboratori di incisione e stampa
Norme e buone pratiche di sicurezza
Orizzonti post-accademici
Le professioni dell’incisore
La Grafica d’Arte nel sistema delle arti contemporanee
Musei, gallerie, editoria, mercato

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26/27 settembre 2013, ore 10-13 / 15-18
Roma, Istituto Nazionale per la Grafica Palazzo Poli -Via Poli 54 (Fontana di Trevi) www.grafica.beniculturali.it
Evento in occasione delle Giornate Europee del Patrimonio 2013
 

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calendario del congresso

segno e insegno

 

Roma, 26-27 settembre 2013

Istituto Nazionale per la Grafica

I Congresso Nazionale dei Docenti di Grafica d’Arte

Roma, Palazzo Poli, via Poli, 54

Direzione scientifica del Congresso

Maria Antonella Fusco, dirigente dell’Istituto Nazionale per la Grafica Giovanna Cassese, direttore dell’Accademia di Belle Arti di Napoli

Comitato scientifico organizzativo

Franco Fanelli, Diana Ferrara con Rita Bernini, Gabriella Bocconi, Guglielmo Gigliotti, Erminia Mitrano, Gianluca Murasecchi, Angelina Travaglini, Giovanni Turria, Gianfranco Zurzolo

Giovedì 26 settembre

ore 10.00

saluti delle Autorità

Maddalena Ragni, direttore generale per il paesaggio, le belle arti, l’architettura e l’arte contemporanee; Giorgio Bruno Civello, direttore generale dell’Alta Formazione Artistica e Musicale; Guido Strazza, maestro incisore

ore 10.30 – 13.00

Presentazione del Congresso

Maria Antonella Fusco, Giovanna Cassese

La didattica della Grafica d’arte: tradizione e innovazione metodologica”

Presidente della sessione: Franco Fanelli

Erminia Mitrano

(docente di Grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Napoli)

Panoramica sulle Scuole di Grafica nelle Accademie di Belle Arti italiane”

Diana Ferrara

(docente di Grafica d’arte e Tecniche dell’incisione – Accademia di Belle Arti di Venezia)

La didattica della grafica d’arte all’Accademia di Belle Arti di Venezia”

Giovanni Turria

(docente di Tecniche dell’incisione e di Grafica d’arte– Accademia di Belle Arti di Urbino)

Vicino – lontano: libri d’arte e tipografi, xilografia e grande formato”

Aniello Scotto

(docente di Tecniche dell’incisione calcografica – Accademia di Belle Arti di Napoli)

Linea e Antico”

Anna Romanello

(docente di Tecniche dell’incisione, di Grafica d’arte e di Tecniche calcografiche sperimentali – Accademia di Belle Arti di Roma) “Verso un’alchimia incisa”

Francesca Genna (docente di Tecniche calcografiche sperimentali e di Xilografia – Accademia di Belle Arti di Palermo) “Nuovi materiali nell’incisione”

Applicazione delle norme vigenti in materia di sicurezza e igiene sul lavoro nelle stamperie delle Accademie” 

ore 15.00 – 18.00

Utilizzo dei fondi storici come modello didattico”

Anna Mariani (docente di Storia del disegno e della grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Brera), Lorena Dal Poz (responsabile Ufficio Sovrintendenza Beni librari – Regione Veneto), Gloria Vallese (docente di Elementi di iconologia e iconografia e di Storia dell’arte contemporanea – Accademia di Belle Arti di Venezia), Rita Bernini (direttore del Servizio educativo – Istituto Nazionale per la Grafica), Gabriella Bocconi (responsabile Attività didattica, Servizio educativo – Istituto Nazionale per la Grafica), Giulio Sommariva (direttore Museo e Calcoteca – Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova).

Intorno alla didattica della Grafica d’Arte”

Maria Agata Amato (docente di Stampa d’arte – Accademia di Belle Arti di Bologna), Giulio Angelucci (docente di Storia della grafica – Accademia di Belle Arti di Bologna e Macerata), Massimo Arduini (docente di Grafica d’arte, Editoria d’Arte, Tecniche dell’incione e Tecniche dei procedimenti a stampa – Accademia di Belle Arti di Roma), Nedda Bonini (docente di Xilografia e di Editoria d’arte – Accademia di Belle Arti di Bologna), Manuela Candini (docente di Tecniche dell’incisione e di Tecniche calcografiche sperimentali – Accademia di Belle Arti di Bologna), Maria

De Stefano (docente di Tecniche dell’incisione – Accademia Albertina di Belle Arti di Torino), Monica Franchini (docente di Tecniche dell’incisione calcografica e di Disegno dell’incisione – Accademia di Belle Arti di Firenze), Andrea Lelario (docente di Grafica d’arte e di Tecniche dell’incisione- Accademia di Belle Arti di Frosinone), Maria Angelica Molinari (docente di Xilografia – Accademia di Belle Arti di Firenze), Roberto Pace (coordinatore per la Scuola di grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Roma), Laura Salvi (docente di Tecniche grafiche speciali – Accademia di Belle Arti di Roma), Claudio Sugliani (docente di Grafica d’arte – Accademia Carrara di Belle Arti di Bergamo), Grazia Tagliente (docente di Tecniche d’Incisione – Accademia di Belle Arti di Lecce)

Giovanna Ressa

(architetto, responsabile servizio prevenzione e protezione – Accademie di Belle Arti di Roma e Venezia)

Venerdì 27 settembre ore 10.00 – 13.00

Orizzonti post-accademici: le professioni dell’incisore” Presidente della sessione: Diana Ferrara

Giuseppe Trassari Filippetto

(direttore Laboratorio diagnostico per le matrici – Istituto Nazionale per la Grafica)

Il calcografo nei beni culturali”

Riccardo Mazzarino

(docente di Grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Palermo)

Il corso di restauro delle matrici incise dell’Accademia di Belle Arti di Palermo”

Rosa Maria Villani

(coordinatore della Scuola dell’Arte della Medaglia dell’Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato S.p.A).

in collaborazione con

Rita Morena (incisore calcografico del Centro Filatelico e docente di Incisione calcografica alla Scuola dell’Arte della

Medaglia dell’IPZS)

La scuola dell’arte della medaglia presso la Zecca dello Stato. Un contesto unico per una tecnica particolare: il bulino”

Franco Fanelli

(docente di Tecniche dell’Incisione e di Grafica d’arte – Accademia Albertina di Belle Arti di Torino)

Il circuito espositivo e mercantile della grafica d’arte in Italia”

Giuliana Ericani

(direttore Musei Civici di Bassano del Grappa)

Giorgio Trentin: il mestiere dell’incisore”

15.00 – 18.00

Gianluca Murasecchi

(docente di Tecniche dell’Incisione e di Grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Urbino)

Trasversalità della docenza dei grafici d’arte: incisore, artista, stampatore”

Intorno ai docenti artisti/incisori”

Valter Battiloro (docente e responsabile di Grafica e Tecniche dell’Incisione – Accademia di Belle Arti di L’Aquila), Mario Benedetti (incisore, già docente di Grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Brera), Marina Bindella (docente di Storia dell’arte per la grafica – Accademia di Belle Arti di Frosinone), Liborio Curione (docente di Grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Catania), Patrizio Di Sciullo (docente di Tecniche dell’incisione e grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Napoli), Paolo Laudisa (docente di Grafica d’arte – Accademia di Belle Arti di Roma), Fatih Mika (docente di Tecniche dell’incisione grafica d’arte e di Tecniche calcografiche sperimentali – Accademia di Belle Arti di Foggia), Francesco Parisi (docente di Tecniche dell’incisione – Accademia di Belle Arti di Macerata)

Conclusioni: Giovanna Cassese, Maria Antonella Fusco

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l'accademia è la mia vita copia

pubblico qui sotto due lettere inviate del collega Roberto Pace agli organizzatori prima e dopo il Congresso dando seguito al suggerimento dell’ultimo paragrafo “di spostare il dibattito on line come ovunque sul nostro pianeta”:
 
Roma 23/9/2013

Gentili organizzatori del primo congresso nazionale dei docenti di grafica d’arte nelle Accademie Italiane, devo complimentarmi con voi per avere dato alla luce questo evento perfettamente in linea con la prassi ancora imperante nel nostro paese di tradire le attese e soprattutto gli interessi dei cittadini.

Con dedizione avete costruito una facciata democratica e poi operato silenziosamente in senso opposto; avete richiesto le partecipazioni individuali dei docenti che avessero qualcosa da dire, in questo inascoltati da anni e con tante esperienze da condividere, riposizionando quelli che avevano risposto raggruppati in coda alla prima giornata, senza menzionare gli argomenti proposti da ognuno e senza il tempo di discutere nulla; sistemando in bella vista persone contattate direttamente; ignote durante tutta la preparazione e poi perfettamente note quando apparse sul programma.

Il sottoscritto, come altri colleghi, ha risposto prontamente all’appello pensando in primo luogo al significato della parola congresso che indica un dibattito su temi condivisi che vede raccolti in un luogo tutti quelli direttamente coinvolti nel tema scelto a poterne discutere in profondità; in questo senso era formulata la lettera circolare che tutti abbiamo ricevuto, strutturata sui 4 temi, con la richiesta dell’abstract che ne riassumesse lo sviluppo; mi rendo conto che l’occasione di toccare i punti dolenti, esporli e discuterne botta e risposta ci ha resi precipitosi nel pensare che potesse accadere…

Si sarebbe dovuto tenere conto delle proposte pervenute, valutandone la pregnanza e selezionarne un campione significativo per contenuti e rappresentativo delle diverse posizioni, così da approntare una scaletta articolata organicamente per articolare la discussione, nelle due giornate, in modo efficace con i presenti in sala; sarebbe stato utile risentirci nei mesi precedenti il congresso e magari guadagnare una reale conoscenza di cosa è la grafica d’Arte nelle Accademie Italiane.La scaletta dei lavori che ho davanti (ricevuta oggi a tre giorni dall’inizio del congresso) si presenta invece come una vetrina di interventi che nulla hanno a che fare con il dibattito realmente auspicabile e inderogabile a fronte del profondo disagio e necessità di cambiamento di cui necessita non solo Grafica d’Arte ma l’intera Accademia Italiana.

Sinceramente non sento il bisogno di altri cataloghi e pubblicazioni degli atti di convegni fasulli. Si capisce che a voi, che avete scelto di sopraelevarvi dalla realtà, importa solo di arrivare velocemente alla fine di queste riunioni per pronunciare in coro quel magnifico termine che riempie all’inverosimile la bocca e la pancia: L’ECCELLENZA. Dal basso, al livello della concretezza del fare e dei rapporti umani l’eccellenza è parola sconosciuta, al suo posto mille altre parole ognuna delle quali porta a un’azione di conoscenza ineludibile, a innumerevoli scogli da superare, a una gioia e fatica del fare che sta dall’altra parte dell’annuncio trionfalistico…

Che le Accademie Italiane siano il fanalino di coda a livello mondiale, che abbiano perso completamente la loro missione, che vivano in un far-west di piani di studio, leggi e decreti demenziali e costringano tutte le loro componenti in una condizione di strisciante illegalità, che a furia di 30&lode sfornino laureati che diffondono come un virus l’arretratezza culturale, di questo non si deve discutere ma si vuole solamente seppellire il tutto sotto la retorica assunta come unica forma mentis.

L’introduzione della “grafica” nelle accademie Italiane, piuttosto che a colmare un gap, è servita soprattutto a spalancare le porte alla creazione di corsi di graphic design o grafica editoriale; mancando in italiano il termine anglosassone “printmaking”, molto più preciso, che avrebbe delimitato le competenze, si sono creati nuovi filoni redditizzi, con nessun retroterra in Accademia, utili ad aumentare gli iscritti paganti e creare nuovi posti di lavoro (non equamente divisi tra docenti tuttologi che vanno ad aumentare il loro stipendio e docenti a contratto pagati una miseria, precarizzati e alla mercè della direzione, tutto questo sotto la cecità vigile degli organi preposti). Coerentemente con la mancanza di riflessione sul concetto di grafica d’Arte viene usato da voi solo il termine “incisione”, dimenticando che al centro della specificità di questo indirizzo c’è la “matrice” e che la calcografia rappresenta ora solo una parte delle tecniche in uso, rispetto alla serigrafia, alla fotografia, al multiplo e infine alla stampa digitale; avete organizzato un congresso e siete all’oscuro di questo!

Oggi la creazione tramite matrice non è più limitata alle edizioni a stampa ma è diventato lo standard principale attraverso cui opera un numero sempre maggiore artisti contemporanei; si è trasformato in un processo di pensiero. La costante mancanza di una riflessione teorica sui fondamenti di qualsiasi pratica, nel nostro caso della Grafica d’Arte, indica la volontà di impedire qualsiasi cambiamento dovuto al confronto tra un obiettivo didattico preciso e l’inadeguatezza riscontrabile confrontando e valutando spazi, attrezzature, programmi, docenti e risultati ottenuti.

Si conferma la condizione attuale dell’Accademia come luogo privo di un progetto didattico e culturale, dove operano persone ognuna con un’idea personale della docenza senza relazione con un progetto condiviso, si è trasformata la giusta libertà d’insegnamento in una variabile arbitraria; si può descrivere attualmente la nostra istituzione come un “parerificio”, luogo dove non s’insegna e non si critica, non ci si aggiorna e si fa riferimento a valori validi solamente tra le sue quattro mura; il parere, con la sua incostintenza culturale e sociale, ha preso il posto della verifica del lavoro svolto in comune.

Programmare un congresso senza inserire nei contenuti e nella forma in cui si articola il dibattito l’analisi delle criticità, trasforma la discussione in una conferma dello status quo ottenuto attraverso la forma abbellita di relazioni che, nella recinzione specialistica dei loro temi, già vanificano, ancor prima di essere lette, una visione attendibile della realtà.In questa forma il convegno diventa più di un’occasione mancata, si trasforma in una nuova causa di degrado perché rinvia il momento in cui occorrerà affrontare seriamente la riforma radicale dell’insegnamento artistico in Italia. In chiusura devo però ringraziarvi dell’iniziativa; questo primo congresso serve a sganciarsi da una delega a organi che non riescono proprio a essere origine di un concreto cambiamento, e suggerisce di spostare il dibattito on line come ovunque sul nostro pianeta.

distinti saluti
Prof. Roberto Pace
coordinatore Grafica d’Arte, Accademia di Belle Arti di Roma.

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Roma 28/9/2013

Gentili colleghi

si è concluso il primo congresso dei docenti di grafica d’Arte delle Accademie Italiane alle 18 di venerdi 27 settembre 2013; il comunicato stampa conclusivo rilasciato alle 16,26 della stessa giornata comunicava che ” Il comitato scientifico ha deciso una serie di iniziative congiunte tendenti alla messa in rete delle strutture della formazione e della tutela nel campo dell’incisione”. Con il termine “coccodrillo” si indica nel linguaggio giornalistico un necrologio scritto in anticipo, per averlo pronto al momento del bisogno; senza polemica prendo questa coincidenza come segno di decesso delle pratiche di non reale condivisione e come auspicio di un cambiamento delle cose nel mondo delle Accademie Italiane. Pur nell’assoluta cripticità del suo senso, rilevo che il termine “rete” appare a tranquillizzare chi spera nella diffusione del sapere attraverso internet; per introdurre per tempo quelli che saranno i contenuti teorici futuri delle lettere che seguiranno questo primo congresso, vorrei rendere evidente la vicinanza tra rete del web e rete dei segni nell’acquaforte facendo riferimento a chi ha rivoluzionato un concetto di grafica immutato dai tempi di Rembrandt, quel Giorgio Morandi che nella mia lunga esperienza Bolognese (lì ancora suscita malumori appena si nomina) ancora non è entrato nei saperi accademici a fronte d’essere uno dei pochi artisti delle avanguardie storiche che vanta ora un vivace riconoscimento trasversale nel mondo dell’arte contemporanea, concettuali e videoartisti compresi. A Morandi vanno due grandi meriti: avere annullato il ruolo separato dell’incisore con il suo specifico tecnico e l’esser passato dall’intreccio dei segni come chiaroscuro alla trama intesa come filtro della luce e appunto rete di connessione. Altro aspetto fondamentale l’aver annullato la tecnica, e la retorica che la accompagna, sia nel quadro sia nella matrice; ripensato il mestiere e la visione e di conseguenza metodo e fruizione dell’immagine. Tornando alle decisioni del comitato scientifico sarà impegnativa la messa in rete delle “strutture della formazione”…cosa sono? sono i trienni e bienni, i master(?) o i dottorati(??) esposti al pubblico giudizio? La “tutela dell’incisione” prevede delle ronde appositamente equipaggiate? per litografia, serigrafia, fotografia, stampa digitale l’unica possibilità e chiudersi in casa all’arrivo dell’oscurità? Mi sorge il dubbio che stò prendendo un abbaglio, perche la dichiarazione forse non è in riferimento alla scuola di grafica d’Arte, alle sue necessità, ma in modo autoreferenziale all’istituzione; nel congresso non si è parlato e discusso infatti di questi problemi perché a nessuno interessa la realtà. L’opinione condivisa nelle società in declino è che la realtà non esiste; ognuno nella sua solitudine alimenta una visione delirante del mondo che, con l’avanzare dell’età, ha bisogno di dosi sempre più massicce di simulacri e cinismo per mantenere alla meglio insieme i pezzi dell’io . Non mi dilungo di più, ringrazio chi leggerà questa lettera di cuore, per me il congresso continua.

a presto

Roberto Pace

AA.BB.AA. di Roma.

 

 

TRE INCISORI “IMPURI”: VLADIMIRO ELVIERI – ARIANNA TAGLIABUE – MARIA CHIARA TONI

TRE INCISORI “IMPURI”

VLADIMIRO ELVIERI – ARIANNA TAGLIABUE – MARIA CHIARA TONI

 Presentazione in catalogo (ital-ingl) di Patrizia Foglia
Inaugurazione Giovedì 3 Ottobre 2013 dalle 17,30
Fino al 26 Ottobre 2013
galleria: http://www.spazioostrakon.it/
catalogo: http://www.elvieri-toni.com/files/Catalogo-3-incisori-impuri.pdf
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Vladimiro Elvieri, Arianna Tagliabue, Maria Chiara Toni. Tre incisori impuri, recita il titolo della mostra. E dalla cartella stampa un breve estratto:

Impuri non alla Picasso, pittore-incisore, genio dell’assimilazione, ma alla Stanley William Hayter, incisore-incisore. Impuri in quanto la loro produzione è venata di tutti gli apporti storici della ricerca calcografica, sperimentatori e innovatori dell’intero processo, dai materiali delle matrici ai passaggi al torchio. Ma soprattutto “impuri”, inquieti, perché al di là dell’impiego della rotella e la perforazione su Forex, con due matrici sovrapposte, tagliate e affiancate, la puntasecca su plexiglass, il gioco tra la superficie e il rilievo, la commistione di tecniche inclusa la stampa digitale eccetera, quello che essi cercano e vogliono rappresentare attraverso la loro arte è una verità umana non altrimenti esprimibile, per quanto li concerne, con i modi di una incessante ricerca calcografica. Che poi significa la ricerca di un personale linguaggio grafico, impuro perché non accomodato su una sintassi e una iconografia codificata.

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Bart Dorsa. Katya

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Bart Dorsa. Katya

a cura di Dimitri Ozerkov
Fondamenta delle Zattere
Evento Collaterale della 55° Biennale di Venezia e  MMOMA -Museo di di Arte Moderna di Mosca

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“Katya” è un’esposizione di lastre fotografiche al collodio di argento su vetro e sculture che si presentano come “stampate” in tridimensione su lamine bronzo, sparate dalle foto. Tutto calato in un ambiente totalmente oscurato, con faretti direzionali solo sulle immagini.

Il progetto “narra” di una storia di una ragazza russa. Katya, il soggetto intimo dell’esposizione per l’artista americano incarne l’archetipo mitico. Un tema primario nel lavoro di Dorsa. La storia di Katya che nasce nell’estremo Oriente della Russia e di sua madre che dopo il divorzio si autoreclude in un convento Ortodosso. Quando Katya compie 13 anni si trasferirono a Mosca. La libertà tutta nuova nel megalopoli porta per contrasto Katya nel cerchio della sottocultura estrema di Mosca delle varie forme di alterazione del corpo, segnando la sua cronaca in diretta sulla sua pelle, faccia e corpo.

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Dorsa stampa la sua modella su vetro con una tecnica singolare, catturando questa topografia tracciabile dentro l’illuminazione del corpo di Katya. Una lente e la lastra emulsionata in mano, dentro una camera obscura che ingloba l’intero set di posa. Il processo fotografico ridotto all’osso, spolpato fino al contatto diretto con la rifrazione della pelle fra le mani dell’artista. Ora la lente è l’unico elemento intermedio tra il modello e la lastra di vetro che l’artista tiene nelle sue mani. L’immagine è stampata direttamente sulla sua superficie ricettiva.

L’artista si compara ai veggenti nell’allegoria di Platone: “Legati guardavano fisso alle ombre proiettate contro il muro di retro della caverna che era la loro prigione. Questa è la visione che io ho delle ombre del mio subconscio. La mia camera obscura è una grotta. Io sono incatenato dentro, fissando la lastra di vetro alle ombre ed immagini buie riflesse dai corpi e le facce che sfilano di fronte al mio pezzo di vetro.”

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Apparentemente identiche, le immagini repetitive di Katya sono riprodotte in sequenze ossessive provocando un effetto sinfonico intenso. La mostra verso l’esposizione stessa delle immagini illuminate da spot dentro il buio dell’allestimento amplifica il ritratto psicologico e penetrante di Katya come autoritratto dell’artista.

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http://www.mmoma.ru/en/exhibitions/special/venicebiennale2013_bart_dorsa_katya/

Incisori Veronesi Collettiva

 

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a cura di Carlotta Giardini

Venerdì 30 agosto 2013 alle ore 19.30
 
 espongono:
Tiziano Bellomi | Zeno Finotti  |  Daniela Fiore | Rino Guandalini
Paolo Marcolongo | Sergio Pedrocchi | Stefania Semolini | Carla Semprebon
Luisa Tinazzi | Giordano Zorzi
 
periodo espositivo:
da sabato 31 agosto a lunedì 2 settembre
 orari:
sabato e lunedì  18.30 – 23.00
 domenica  9.30 – 12,30 | 16,30 – 23,00
 
Villa Balladoro
Via Balladoro, 15 – Povegliano Veronese (Vr)

 

Let’s make like a tree. And leaves

un progetto di Elisa Bertaglia a cura di Gianluca D’Incà Levis, che si concluderà domani, mercoledì 14 agosto, alle 18.00, presso il Nuovo Spazio di Casso

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Let’s make like a tree. And leaves, è un progetto sviluppato da Elisa Bertaglia durante una residenza d’artista all’interno degli spazi di Dolomiti Contemporanee a Casso. L’opera si prefigge l’obiettivo di instaurare una relazione, simbolica e reale, tra l’artista e gli abitanti del luogo. Ricordiamo che ad oggi la comunità di Casso è costituita da una ventina di residenti: lo spopolamento del paese iniziò nel 1963, e fu causato dalla Tragedia del Vajont, la cui memoria ancor oggi tanto segna l’economia umana di questi luoghi, e della quale quest’anno ricorre il 50esimo anniversario. La ricerca di un rapporto di scambio, vitale, attraverso l’azione artistica, in un contesto così critico, assume un valore rilevante e manifesta l’esplicito intento di socializzazione culturale dell’artista, come dell’intero progetto DC a Casso.

Durante i primi giorni di residenza Elisa Bertaglia ha realizzato 10 disegni della serie Leaves of grass. Il titolo richiama l’opera principale di Walt Whitman, che il poeta statunitense compose attraverso un processo continuo, integrandola a più riprese nel corso della propria vita. Ognuno dei disegni è stato tagliato a metà. Una delle due metà è stata consegnata ad ognuna delle dieci famiglie di residenti di Casso, come invito a prendere parte all’evento conclusivo del periodo di residenza.

A ciascuna delle famiglie che parteciperanno, mercoledì 14 agosto, alle 18.00 all’interno del Nuovo Spazio di Casso, alla serata di commiato, verrà donata la seconda metà dell’opera. Il disegno sarà così nuovamente ricomposto, all’interno di un’unica cornice, mantenendo però ben visibile la cesura tra le due metà, cesura che simbolicamente allude al carattere relazionale e, più in generale, alla dualità dell’esperienza artistica.

Dolomiti Contemporanee: “et un’oseliera et non vi è” + “La cura dello sguardo”

Dolomiti Contemporanee

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La cura dello sguardo

a cura di Gianluca D’Incà Levis ed Elisa Decet

3 agosto/1 settembre 2013
inaugurazione sabato 3 agosto ore 18.00
Museo Paleontologico Rinaldo Zardini di Cortina
via Marangoi n.1 (Località Pontechiesa)
32043 Cortina d’Ampezzo (Bl)

Artisti in mostra: Gabriele Grones, Patte Loper, Elena Mazzi, Valentina Merzi, Maria Francesca Tassi

 

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et un’oseliera et non vi è

a cura di Gianluca D’Incà Levis

10 agosto/8 settembre 2013
inaugurazione sabato 10 agosto ore 18.00
ore 18.45: performance “Perform yourself”, di Hannes Egger
ore 20.15: performance COLORA
Castello di Andraz
Località Andraz – 32020 Livinallongo del Col di Lana (BL)

Artisti in mostra: Fabiano De Martin Topranin, Luca Chiesura, COLORA (Lorenzo Commisso e Rachele Burgato), Hannes Egger, Denis Riva, Giuseppe Vigolo

Assistente curatore: Michela Lupieri

 

Ahmet Güneştekin: Monumentum of Memory

Arsenale Docks – San Pietro di Castello 40
Venezia – 28 maggio / 25 agosto 2013
www.ahmetgunestekin.com
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Turkish artist Ahmet Güneştekin’s first Italian solo exhibition, “Monumentum of Memory”, on show at Arsenale Doks Castello 40 in Venice, presents three videos and a great art installation that engages the attention of the visitors to the political oppression and persecution of the Kurdish community. Instead of employing rhetoric of horror, Güneştekin, born 1966 presents events worth remembering in an impeccable artistic language, dealing also with the paradox of aesthetic.

A floor projection shows the dates of Kurdish, Turkish deeds and Human Rights from 1909 to present; a double projection points out how Kurdish language has been banned and carefully removed from Turkish vocabulary while the last video shows people getting fined for speaking Kurdish. The sculpture “Regm” (stoning) consists of Kurdish letters confined behind ancient prison bars. The big wall installation at the end of the exhibition itinerary is a mirror/ sculpture that at first glance appears to be abstract composition. But a closer look reveals images and symbols about the Kurdish genocide by the Iraqi regime of Saddam Hussein in 1988 in the town of Halepce. The installation is called “Yüzleşme” that means comfort.

A monument to the Kurdish memory, as seen through the eyes of a contemporary artist.

Ideas and concepts that confirm the presence of a genius loci from the Mesopotamian culture.

latitudine&longitudine all’AB23 di Vicenza


Allegato di posta elettronica copia
  Latitudine & Longitudine

AB23

contenitore per il contemporaneo
giovedì 23 maggio 2013
alle ore 18,30
(ex chiesa dei SS. Ambrogio e Bellino)
contra’ San Ambrogio 23
Vicenza

Allegato di posta elettronica

per festeggiare il progetto

Sistemi di contemporaneo

tenutosi ad AB23 e a

Casa Cogollo detta del Palladio

di cui verrà edita la pubblicazione

Allegato di posta elettronica copiaLatitudine & Longitudine


Allegato di posta elettronica copia
 + il concerto PERPETUO VAGARE

di Giuseppe Dal Bianco

Perpetuo vagare è un viaggio della mente
seducente ed ipnotico in cui la musica, gli
innumerevoli strumenti e i suoni affascinanti
del flautista e polistrumentista vicentino
trasportano, attraverso ritmi lenti
e suoni dilatati nel tempo, verso atmosfere
rarefatte, echi primitivi ricchi di memorie
tra oriente e occidente.
La sua musica meditativa ed evocativa,
eseguita con strumenti a fiato etnici originali
– tra cui si annoverano duduk (Armenia),
hulusi, dizi, bawu (Cina), khene
(Laos), alghoza (Pakistan), indian oboe
(India), tin whistle, irish flute (Irlanda),
fujara (Slovacchia), alboka (Spagna-Paesi
Baschi), kalimba (Africa), didgeridoo (Australia)
– indaga mondi indefiniti trasformando
aria, vento e respiro in molteplici e
inconsuete sonorità timbriche

La Qasba: I Territori della mente

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ore 19.30 inaugurazione con buffet e dj set by 
dalle 20.00 disponibile il servizio cucina
ore 22.30 live 16 BARRE con presentazione del disco St. Hope

 

Il collettivo La Qasba è lieto di invitarvi all’ultima mostra

dell’anno, che si terrà il giorno 14 giugno alle ore 19.30

presso il c.s bocciodromo di Vicenza. Prendetela come un

viaggio alla scoperta dei territori della mente. Sono luoghi,

dentro di noi, che non ci accorgiamo di avere, geografie del

pensiero dove le nostre idee nascono, crescono e si trasformano.

Come in un terreno incolto non viene estirpata l’erba selvatica

che proprio li, spontanemente, ha affondato le radici, così il

territorio della mente non può arginare quelle forze creatrici,

istintive e i turbini di idee che lì hanno origine, non vi si possono

porre limiti, regole e principi morali, non si puo separare il

bene dal male.

S.M.C

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I territori